Das LIFE Magazin blättert auf seiner Website durch “50 Photos That Brought the War Home” (Foto: Capt. Francis ‘Ike’ Fenton, USMC, 1950, photographed by David Douglas Duncan). “For much of the 20th century, photography was the single most powerful method for conveying the horrors, triumphs, epic challenges, and small, daily struggles of warfare. In searing, unforgettable pictures, great photojournalists quite literally brought war home to millions of Americans. LIFE presents 50 extraordinary photographs from three 20th-century conflicts that, in many respects, were defined by the way LIFE Magazine covered them: images from World War II, Korea, and Vietnam.”
 

 
Weil die Bildstrecke fotojournalistisch großartig aber thematisch schrecklich ist, flippt man anschließend rüber zum Verlag teNeues, der einen opulenten Bildband auf den Weg gebracht hat: “Car Design Europe. Myths, Brands, People” (392 Seiten, 49,90 Euro). Autor Paolo Tumminelli – Professor für Designkonzepte an der Köln International School of Design – konzentriert sich in seiner Tour de Force durch achtzig Jahre Automobilbau auf die Kulturgeschichte und die gesellschaftliche Hintergründe des Autodesigns (Foto: Ferrari 400 SA Superfast IV Pininfarina, 1962, dem Bildband entnommen). Ein zweiter Band mit einer Anthologie des American Car Design folgt im Frühjahr 2012.
 

 
Eine süddeutsche Firma mit dem wunderbaren Gasthofnamen “Zur schönen Linde” ist vor einigen Jahren auf die Idee gekommen, muffige Turnhallen zu durchstöbern und Vintage Möbel aus ausgedienten Sportgeräten herzustellen (Foto). Die Schränke und Sitzmöbel aus Sprungkästen, Pferden und Böcken sind aufwendig umgearbeitete Unikate und bestechen durch Patina und gewitze Neuinterpretation.
 

 
Ähnlich verfahren die Macher von “Zirkeltraining”. Nichts liegt angemessener auf einem Sportgeräte-Sideboard als ein Laptop-Sleeve oder eine Fahrradkurier-Tasche aus gebrauchtem Turnmatten-Gummi (Foto). Seit 2007 fertigen die Sattler von “Zirkeltraining” Taschen aus recyceltem Sportgeräte-Leder und Turnmatten. “Jedes Stück ist handgefertigt und einzigartig, extrem widerstandsfähig, trägt schweißtreibende und lehrreiche Erinnerungen in sich und ist nicht nur für Sport-Asse interessant. Zirkeltraining kann man nur in ausgewählten Taschengeschäften erkämpfen.” Eine willkommende Alternative zur LKW-Plane.
 

 
Der Autor gibt an dieser Stelle zu, seine Mitmenschen oft mit so abseitigen Interessen wie Snooker zu überfordern. Snooker ist sicherlich die eleganteste und anspruchsvollste Art Billiard zu spielen. Mit wenigen Ausnahmen kommen alle Snooker-Asse aus dem Vereinigten Königreich, die Spieler sind auf der Insel hoch angesehene und gut verdienende Sportsmänner, jedes Jahr im Mai werden dort, im ehrwürdigen Crucible Theatre in Sheffield, die Weltmeisterschaften ausgetragen.
 
Am vergangenen Wochenende fand in Antwerpen das letzte große Turnier dieses Jahres statt. Das hochkarätige Finale spiegelte den Saisonverlauf. Der frühere Bad Boy Ronnie O’Sullivan (Foto via snookerimages.co.uk) stand dem erst 22-jährigen Judd Trump gegenüber, der unerwartet in Sheffield im Finale gegen John Higgins stand und seither spielerisch durch die Decke knallt. Beide lieferten sich sieben atemberaubende “Frames” auf höchstem Niveau. Nach zwei “Century Breaks” von Ronnie O’Sullivan holte sich Judd Trump den entscheidenden Final-Frame, räumte den Tisch ab und siegte mit 4:3. Das Publikum stand. Der üblicherweise zurückhaltend ausgeführte Händedruck fiel auffällig herzlich aus. Ronnie O’Sullivan weiß, dass er in blutjungen Spielern wie Judd Trump oder Neill Robertson würdige Nachfolger gefunden hat. Nachzulesen sind solche kenntnisreichen Petitessen in den Kolumnen des
 
Eurosport-Kommentators Rolf Kalb, der zu jeder Snooker-TV-Übertragung dazugehört wie die blaue Kreide und die maßgeschneiderten Spieler-Westen.

Abbildung: Felix Gonzales-Torres, Hamburger Bahnhof, Berlin. Installation shot by flickr.com/photos/johnnyvulkan
Da finden sich die üblichen Neo-Wave und New-Pop Vertreter (Kategorien “Beste Platte” und “Beste Tournee”), namhaftes Autorenkino (Kategorien “Bester Film” und “Beste DVD”), die Rocky Horror Show (“Bestes Entertainment”), die offenbar unvermeidlichen Schoßgebete (“Bestes Buch”) und Theatertreffen-Short-List-erprobte Bühnenproduktionen (“Bestes Theaterstück”).

In die Liste der “Besten Ausstellungen” haben es geschafft: “Based in Berlin” (Atelierhaus Monbijoupark / Berlin), “Felix Gonzalez-Torres” (Museum für Moderne Kunst / Frankfurt), “Gerhard Richter” (Hamburger Kunsthalle & Bucerius Kunst Forum / Hamburg), “Gesichter der Renaissance” (Bode-Museum / Berlin) und “The global Contemporary” (ZKM / Karlsruhe).

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Kann man sich Marken und Märkten heutzutage noch entziehen, also seinen Alltag mit Gegenständen bestreiten, bei denen es einem tatsächlich gleichgültig ist, von wem sie entworfen wurden oder was für ein Label draufklebt?
 
Ina Grätz: Produktdesign ist natürlich für die Corporate Identity sehr wichtig und letztendlich helfen uns die Marken bei der Orientierung.
 
Als “Labeling unserer eigenen Identität”?
 
Ina Grätz: Vielleicht auch einfach um über Qualität und Inhalte nachzudenken. In der Ausstellung haben wir das mit Zigarettenmarken verglichen – wenn man in einen Laden gehen würde, in dem die Packungen nicht bedruckt wären, dann würde man nicht mehr wissen was man auswählen soll. Natürlich kann man sich ein Leben vorstellen in dem man auf jegliche Marken verzichtet, aber auch da sind die Marken wieder eine Orientierung, sie sind dann vielleicht das „Feindbild“ an dem man sich orientiert.
 
Man kann kein Auto kaufen, von dem nicht sofort klar ist, wer der Hersteller ist und wofür dieser steht.
 
Ina Grätz: Bei Möbeln wäre das möglich – man könnte ausschließlich von Tischlern und Nachwuchsdesignern kaufen. Damit erschwert man sich das Leben auf eine bestimmte Weise und die meisten Menschen wollen es, zumindest beim Konsum, einfach haben. Dabei geht es um eine bestimmte Lebenshaltung. Wobei man natürlich aufpassen muss – in den 80ern ist ja so ein Markenwahn entstanden, bei dem es mehr um die Bilder einer Marke als um die tatsächlichen Werte ging.
 
Das ist heute nicht wirklich anders. Es heißt ja, in den 80er hättet sich alles um Hedonismus und Oberflächlichkeit gedreht. Sind wir da nicht wieder?
 
Ina Grätz: Ich glaube, man weiß mittlerweile mehr über die Produkte die man kauft. Ich glaube, das war in den 80ern doch noch etwas anders.
 
Ein Produkt muss heute nicht mehr langlebig hergestellt werden – weil die Nachfrage nach dem Update es nach kurzer Zeit ablöst.
 
Ina Grätz: Da schwingt natürlich eine Gesellschaftskritik mit – wir leben in einer Welt, in der viele Produkte nur sehr kurz benutzt werden. Ich denke, eine wichtige Frage ist: “Wie reagieren wir auf diese Beschaffenheit der Welt?” Eine Möglichkeit, die auch in der Ausstellung vorgestellt wird, ist das “Cradle to Cradle” Prinzip. Zu einer Gesellschaft, die wie eben beschrieben beschaffen ist, passt es sehr gut. Es wird nicht an der Idee der 80er Jahre angeknüpft und versucht Produkte zu schaffen, die ein Leben überdauern können – stattdessen wird mit Materialien gearbeitet, die immer wieder recycelbar sind ohne Müll zu produzieren. Es war mir wichtig, dass dieses Prinzip in der Ausstellung vorgestellt wird, denn wenn wir über elektronische Produkte sprechen, sprechen wir auch immer über Giftstoffe und über schwierige Produktionsbedingungen.
 
Friedrich von Borries: Ich sehe da eher die “Cradle to Cradle”-Lüge – die ist super. Das ist genau der Herbst dieser Ideologie – man kann immer so weiter machen wie bisher, man muss nur noch so einen kleinen, weiteren Twist hinzufügen und dann ist alles gut. Das „Cradle to Cradle“-Prinzip ist für den Teil der Welt, der an Beschleunigungen von Produktzyklen arbeitet und sich hernach mit der Ressourcen-Unlogik dabei versöhnen will. Ich würde sagen, dass dieses Prinzip zunächst mal eine Ideologie ist, weil technisch noch gar nicht zur Gänze umsetzbar.
 
Vor einigen Jahren standen auf der Cebit auf einmal Rechner, die einen “Ecologic” Aufkleber in Form eines grünen Blattes trugen. Das war ja eigentlich schon Blödsinn, weil ein Rechner grundsätzlich nichts Ökologisches sein kann. Wenn ein Computerhersteller ökologisch ausgerichtete Hardware plant, resultiert das nicht aus einem ökologischen Gedanken. Es geht um ein neues, additives Verkaufstool, mit dem man sich positionieren kann. Der Impuls des Unternehmens ist kein ökologischer, sondern ein wirtschaftlicher – ein Verkaufs- und Marketinginstrument.
 
Ina Grätz: Klar, man kann auch bei vielen Herstellern beobachten, dass sie im Nachhinein moralvirtuos argumentieren und versuchen ihre Produkte “grüner” zu machen. Das bedeutet dann, dass sie plötzlich auf bestimmte Schadstoffe verzichten, Schadstoffe, die sie aber lange Zeit selbstverständlich benutzt haben. Gerade dieses “Greenwashing” ist überholt und funktioniert als Marketingstrategie lange nicht mehr so gut. Ich glaube, dass man mittlerweile eine selbstverständlichere Haltung hat – man erwartet von Unternehmen schlichtweg, dass sie nachhaltig produzieren.
 
Aus diesen Gründen werden Themen wie “Corporate Social Responsibility” auch immer wichtiger – es lässt sich in einer Welt, in der jeder YouTube-Filme online stellen oder alles erdenkliche so schnell es geht twittern kann, weniger verbergen – Marken schreiben sich “Transparenz” nicht zuletzt deshalb auf die Fahnen, weil das “unter den Teppich kehren” schwerer wird. Wobei man sagen muss, dass die Methoden der Kaschierung schon enorm sind. Ölkonzerne konzipieren seit einigen Jahren Schulprogramme zu “Sustainability” – um von der Tatsache abzulenken, dass sie den Großteil ihres Geschäfts mit Tiefbohrungen bestreiten.
 
Friedrich von Borries: Bei welcher Lüge fängt man an. Ich beginne gern mit der Vermeidungslüge. Unsere Gesellschaft glaubt ja tatsächlich, dass wir mit Triple-A-Kühlschränken den Klimawandel aufhalten können. Oder mit BlueEFFICIENCY – Autos. Das ist die Verlogenheitsfalle in der wir alle stecken. Das Tragische ist, dass es zunächst einmal sinnvoll ist, diese einzelnen Systembausteine ökologisch zu optimieren. Es gibt nur die Weigerung darüber nachzudenken, welche Systembausteine man eigentlich gar nicht bräuchte.
 
“Grünes-Denken” hat sich davon wegbewegt. In den Anfängen ging es der Ökobewegung um Abkehr und Gegenentwürfe zum bestehenden, weltzerstörenden System. Heute ist “Grün” zu einer vom System umarmten Lifestyle-Bewegung geworden. Der “Green Capitalism” produziert eine enorme Kurzsichtigkeit, durch die wir voller Gutwertgefühl Triple-A-Kühlschränke kaufen.
 
Friedrich von Borries: Man sollte unbedingt zwei Triple-A-Kühlschränke haben – damit spart man doppelt so viel CO2. Das ist das frustrierende an unserer Gesellschaft: Sie will irgendwie Nachhaltigkeit, ist rückwärtsgewandt, konservativ, vergangenheitsfixiert, einsparfixiert. In Wirklichkeit ist sie eine “Aufwandserhöhungsgesellschaft”. Wenn ich in Zukunft meinen täglichen CO2 Verbrauch ausrechnen muss, werde ich einen private Nachhaltigkeitsberater engagieren müssen. “Personal CO2-Coach” ist sicherlich eines der vielversprechendsten Jobprofile der Zukunft. 

Videotrailer zum Festival. Click to start.

Als wir mit Claudia Fischer-Appelt in der letzten Märzwoche Kontakt aufnahmen, schrieben wir ihr, dass ihr Vorhaben immerhin “noch weitgehend unbekannt” sei. Darüber musste sie schmunzeln: Den Zwischennutzungs- vertrag unterschrieb sie erst am darauffolgenden Tag: Kick off 23 Tage vor Veranstaltungsbeginn. Ihr April verspricht also – beschönigend ausgedrückt – intensiv zu werden: ein Kraftakt.

Der einwöchige Kongress für Anders verzichtet auf nahezu jede inhaltliche Ausrichtung und präsentiert Mischformen: Drei Etagen plus Unterkellerung stehen für Theaterperformances, Kunst und Design zur Verfügung. Im Dachgeschoss rocken sieben Abende lang Sound Systems und DJ Sets die hoffentlich tolerante Nachbarschaft. Wie muss man sich das vorstellen? Ein bisschen wie Frappant, nur ohne gesellschaftlich-politischen Impetus. Ein wenig wie Ding Dong, nur ohne Senseo Produktions- und Marketing-Gelder. Und mit viel Verständnis für “Experiment, Spontaneität und Intuition”, wie Claudia Fischer-Appelt einräumt. Drei Wochen Vorbereitungszeit fordern ihren Tribut.

Ein großer Teil der Räume wird mit Design-Ausstellungen bestückt werden. Claudia Fischer-Appelts berufliches Netzwerk kommt hier zugute. Auch ein Blick auf die Liste der angefragten Hamburger Künstler war vielversprechend. In Claudia Fischer-Appelts Rechner stehen viele gute Namen, die starke künstlerische Positionen versprechen und über den Leiter des Kunsthauses, Claus Mewes eingeladen sind. Allein, die extrem knappe Vorbereitungszeit und der chronische Mangel an Produktionsgeldern wird wohl viele Teilnahmen ausschließen.

In Hamburg vertreten sein werden acht Kunststudenten aus Gregor Schneiders Berliner UdK Klasse, die beim Kongress für Anders eine Woche lang Arbeiten zum Thema Illegalität entwickeln. Man möge sich eine Minute lang vorstellen, was Gregor Schneider selber – mit ausreichend Vorlaufzeit und Produktionsetat versehen – mit den langen, schummrigen Fluren und den gekachelten Kellerräumen des Krankenhaustraktes angestellt hätte.

Gut, mit an Bord zu haben, sind außerdem Lesungen und Theaterproduktionen wie der Ultimative andere Arztroman des Sprechwerk Theaters oder das mobile Filmprojekt Flexibles Flimmern, von dem man eine Aufführung von Lars von Triers sechsstündigem Krankenhaus-Thriller Geister erwartet hätte. Holger Kraus von den Flimmerern denkt aber eher an einen Streifen zum Sujet Illegalität.

Denn – und hier findet sich ein gemeinsamer Drehpunkt aller am Kongress Beteiligter – sämtliche Erlöse aus Barumsatz und Kunstwerk-Verkauf gehen an die Non-Profit-Organisation Medibüro, die Flüchtlinge und illegale Migranten mit kostenfreier medizischer Versorgung unterstützt. Das allein sollte zur Teilnahme ermuntern. Lars Kreyenhagen und Claudia Fischer-Appelt stellen sich eine 30:70 Teilung mit den Künstlern vor: Beim Verkauf eines Exponates geht so ein Großteil des Geldes als Spende an die Hilfsorganisation. Ein Drittel geht zur Deckung der Materialkosten an den Künstler. Kontakte zu Hamburger Sammlern und Mäzenen wurden bereits angebahnt. Wenn die Rechnung aufgeht, bildet das hoffentlich zahlreiche Publikum am Eröffnungsabend eine Mischung aus Partyvolk, Kunstszene und Eimsbütteler Nachbarschaft.

Übrigens: Der Investor des ehemaligen Krankenhauses skizziert einen ebenso straffen Zeitplan wie die Ausstellungsmacher. Kurz nach dem Abbau des Zwischennutzungs-Kongress für Anders sollen im Mai die Bauarbeiten am Altbau beginnen. Zwanzig exklusive Eigentumswohnungen sollen binnen Jahresfrist bezugsfertig sein. Finanzkräftigen Lesern, die eine solche Immobilie anspricht, muss an dieser Stelle die Luft aus den Segeln genommen werden: Die zwischen 130 und 180 qm großen Altbauwohnungen waren schon vergeben, kaum dass die Grundrisse fertig gezeichnet waren.

Kongress für Anders / 23. – 30.04.2010 / Michaelis Krankenhaus / Am Weiher 7 / 20255 Hamburg

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“Ein kurzer Blick im Vorübergehen, Passanten bleiben stehen andere machen sofort ein Foto. Durchstreift man Hamburg ist die Wahrscheinlichkeit sehr groß unvermittelt wie auch unvorbereitet den Cut Outs von tenten/1010 zu begegnen. Oft sind es exponierte Werbeflächen, Baustellenzäune oder symbolträchtige Rundbögen, welche einen sakralen Rahmen für die lebendig gewordenen Formen bilden, deren Geometrie bereits auf zwingende und ewige Gesetzmäßigkeiten zu verweisen scheint.

Der Ikonenmalerei verwandt wohnen wir konkreten Szenen von Unterdrückung, Bedrohung, Verlangen, Ausbeutung oder Flucht bei ohne dass es erläuternder Worte braucht. Zwar ist der Bezug zu religiösen Motiven und Themen deutlich, nur treffen wir keine fremden übernatürlichen Mächte in irdischer Gestalt an. Die Symbole selbst sind zum Leben erwacht und tyrannisieren ihre eigenen Schöpfer. Die Kritik geht also über die Gesellschaft betreffenden Zuständen hinaus, vielmehr verweist Sie auf Grundmuster, die seit Entstehung des menschlichen Bewusstseins präsent und bestimmend für den Gang der irdischen Geschicke sind. Wir haben es also mit vielmehr als Streetart zu tun, die sich das modische Kleid der Gesellschafts- oder Kapitalismuskritik übergestreift hat.

Was für die Formen gilt, trifft auch auf das reduzierte Farbspektrum zu, das sicherlich teilweise dem Medium geschuldet sein mag. Der Dreiklang aus Schwarz, Weiß und Magenta weist möglicherweise auf eine Trinität hin anders als es der Name 1010 mit seinem mehrdeutigen Dualismus suggerieren mag. In der Hamburger Innenstadt begegnen wir modernen Mythen, die eine zeitgemäße Neuinterpretation der gegenwärtigen Conditio humana wagen.”

www.kubikhamburg.de
www.kubikberlin.de
www.kubikbarcelona.com
www.kubiklisboa.com

Alle Fotos Courtesy Kubik Barcelona, Lissabon, Berlin, Hamburg

Früher wurden ihre Bilder als „zu sauber“ oder „zu glatt“ kritisiert. Doch macht Sauberkeit einen Teil der Faszination aus, die man vor mokis Bildern spürt: Die glatten Acryloberflächen täuschen, sie führen den Betrachter in die Irre: hier ist nichts wie es scheint. Die naturgetreue, mit feinsten Pinselstrichen dargestellte Eule hat auf den zweiten Blick gar keinen Schnabel sondern einen leicht verkniffenen Mund; der Vogel haust in einer Sofakissen- höhle, doch eine verrutschte Decke gibt den Blick frei auf alte knorrige Baumrinde.

Oft ist der Betrachter Zeuge einer Verwandlung, die Subjekte sind im Werden begriffen – oder schwinden sie dahin? Diese Ambivalenz spricht die ganz eigene Wahrnehmung an, hier muss sich jeder seinen Teil selbst denken. Zwar träumen zwei Menschen nie denselben Traum aber das „nicht-von dieser-Welt-Gefühl“, das man oft nach dem Aufwachen spürt, befällt einen sofort beim Betrachten von mokis Kunst. Auffällig sind die stark wechselnden Formate, aber man fühlt eine gewisse Zwangsläufigkeit, jedes Ding hat seine eigene Größe, das muss so sein und gehört auch so.

Den Titel hat die Künstlerin sich als Phantasiewort ausgedacht: “mume“. Erst später hat sie herausgefunden, dass es ein altes Wort für Tante oder auch Cousine ist. Wie in ihrer Kunst entspringt etwas der Phantasie und wandelt sich im neuen Kontext, seien es nun Worte oder Traumlandschaften, zu einer gelungenen Mischung aus Vertrautem und Unbekanntem.

Die Ausstellung “mume“ läuft noch bis zum 30. Januar 2009 bei heliumcowboy artspace.

In Wuppertal, einer dieser gern belächelten, dabei aber malerisch gelegenen Städte, steht ein aufgegebenes Fabrikensemble der Firma Elba. Elba stellt seit Jahrzehnten Aktenordner her, nicht ganz so erfolgreich wie Leitz, dafür aber wesentlich günstiger. Die Produktion ist mittlerweile an den Stadtrand verlagert, Fabrikhallen und Bürogebäude an der Wupper machen jetzt das durch, was malerischen Industriebrachen in urbanen Räumen gern angedacht wird: man nutzt sie für Kultur.

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In der Elba Fabrik fand am letzten Augustwochenende das Clownfish Kunst Cluster statt, gut 200 Künstler auf 1500 qm, Ausstellungen, Performances, Gesprächsrunden und ein grossen Clubbing des Kölner Radiosenders 1Live. Alles, was es an Kritik zu äussern gäbe zu plakativen Betitelungen (Cluster) und wenig präziser Themenwahl (bildende und darstellende Kunst, Design, Architektur wurden in eine grosse Waschtrommel gesteckt) prallt ab an der charmanten Tatsache, dass die dreitägige Veranstaltung eigeninitiativ von gerade einer Handvoll junger Designer und Kommunikationswissenschaftler geschmissen wurde.

Der Essener Designer Hans Dirk Schellnack wurde gebeten, aus seinem Umkreis eine Diskussionsrunde zu rekrutieren, die einen Abend lang Schnittstellen zwischen Kunst, Design und Architektur klärt – Gewerke, die gerne unter dem Begriff Creative Industries zusammen gefasst werden, in der Praxis aber selten Austausch betreiben.

Die Runde wurde dann Kunst Cluster Symposium betitelt, unglücklicherweise von der Stadt Wuppertal weder finanziell unterstützt noch beworben und mitten in den Aufbau der 1Live Riggs und Tonpulte gelegt. Im Angesicht dieses etwas konfusen Settings bewaffneten sich Referenten und Zuhörer lieber gleich mit den bereit gestellten Bieren und tasteten sich in eine kaum strukturierte, dabei umso lebendigere Diskussion.

Martin Woodtli (Zürich) und Chris Rehberger (Berlin) vertraten gemeinsam mit dem Moderator den Bereich visuelle Gestaltung, Björn Syffus (Düsseldorf) die Architektur, Olaf Bargheer (Hamburg) und Reinhard Wiesemann (Essen) Randbereiche der Kunst – beide verstehen sich eher als Kulturunternehmer und umschifften sicherheitshalber jede harte Definition von Kunst. Rehberger, obwohl mit mehr als einem Bein in der bildenden Kunst, hielt sich ebenfalls lieber an designorientierte Themen. Bei Verweisen auf seinen Bruder Tobias blickte er unbeteiligt hinüber zur 1Live Lichttechnik, die im Laufe der zweistündigen Gesprächsrunde Gestalt annahm.

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Der Wiener Markus Hanzer schliesslich, seit 30 Jahren im Geschäft und mit allen Wassern des Motion-Design seit den Anfängen des Privatfernsehens gewaschen, bekam ein wenig den Part einer grauen Eminenz. Er sprach selten, aber mit Tragweite, schwarzer Anzug und Wiener Dialekt unterstützten seine Position der ruhigen Hand.

Die 7 kennen ihr Geschäft und empfanden wohl beides: zum einen das wohltuende Gefühl, Einvernehmen zu erzielen über die ähnlichen Fragestellungen und Provisorien in ihren unterschiedlichen kreativwirtschaflichen Branchen; zum anderen, dass der Impuls, disziplinenübergreifend zu agieren, nicht von ihnen selber ausgeht, sondern von einer unklaren Gemengelage aus Neoliberalismus, Stadtmarketing und Richard Florida.

Die Creative Industries sind ein Gebilde, das sich nicht von innen heraus konstituiert. Der verheissungsvoll klingende Begriff wird als Label verwendet. Es klebt an den Türen von Architektenbüros und Redaktionen, auf den Cases der 1Live Roadies und den Galerieräumen, mit denen Reinhard Wiesemann in Essen und Olaf Bargheer in Hamburg zusammen arbeiten.

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Veranstaltungen wie das Clownfish Symposium oder der vor einiger Zeit vom Hamburger Kunstverein und Kampnagel veranstaltete Künstlerworkshop nehmen in diesem Spannungsfeld eine vollends ambivalente Rolle ein: sie tragen das Label an die teilnehmenden Künstler und Designer weiter – und müssen es sich zunächst selber quer über den Veranstaltungstitel stickern.

Man weiss kaum mehr, wie man in diesem Feld unabhängig operieren kann. Jeder produktive Schritt befeuert die Maschinerie weiter. Man ahnt sofort, dass man Instrumentalisierung, Marketing und Hype Vorschub leistet. Welche authentischen Veranstaltungstitel und -formate stehen noch zur Verfügung? Lässt sich noch von eigenständigen Erfahrungen berichten, ohne ein Abziehbild des Freelancers zu zeichnen?

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Zum Schluss hin wurden Empfehlungen ausgesprochen. Ja, es gibt schon zu viele Master-Kulturmanagement-Studenten an den Unis von Lüneburg und Bochum. Der Konkurrenzdruck nimmt zu. Ja, es ist mit grossem Improvisationsvermögen verbunden, in der Kreativwirtschaft seine Nische zu suchen und zu nutzen. Wohlhabend ist keiner der 7 geworden (am ehesten noch der Architekt Björn Syffus und der Platzhirsch Markus Hanzer). Man bleibt gewissermassen Berufsjugendlicher.

Aber: Es würde niemand etwas anderes machen wollen. Und das hat nichts mit der vermeintlichen Freiheit zu tun, keine geregelten Büroarbeitszeiten einhalten zu müssen. Es ist unbedingte Leidenschaft und ein Instinkt für kreative Qualität, der Martin Woodtli, Björn Syffus und die anderen an ihre Arbeitweise glauben lässt – und die Clownfish Crew trotz finanzieller Verluste ein charmantes dreitägiges Festival auf die Beine stellen lässt. Die Anerkennung von institutioneller Seite wird sicher rückwirkend kommen. Spätestens, wenn die Region das Programm für die Kulturhauptstadt Europas 2010 schnürt.

Links zum Thema

CLOWNFISH Magazin
PAGE MAGAZIN zum Clownfish Kunst Cluster
FONTBLOG zum Clownfish Kunst Cluster
HD SCHELLNACK Blog Clownfish Beitrag
HD SCHELLNACK Blog Clownfish Bildstrecken
DOUBLESTANDARTS Agentur von Chris Rehberger
WOODTLI Website von Martin Woodtli
MIRA4 Agentur von Markus Hanzer
ARCHITEKTENGRUPPE von Jörn Syffus
UNPERFEKTHAUS Projekt von Reinhard Wiesemann

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Bohème, mit dieser Titulierung ist man d’accord, wenn man in Agenturen sein Brot verdient, im Journalismus, im Kulturbetrieb, im Design. Eine kribbelige Anrüchigkeit schwingt da mit, eine Unstetigkeit, die einen davor bewahrt, sich festzulegen, offshore segeln auf kabbeliger See, auf der Brandung der implodierten Arbeitswelt surfen. Der Bohèmien ist gewappnet, weil er nie einen Glauben besaß, der erschüttert werden konnte. Weil er keinen Job verlieren kann, lediglich einen Pitch, ein freiberufliches Engagement. Zwischen Gelassenheit und Sturheit passen nur wenige Blatt Papier.

Ich bin ein gelassener Mensch. Niedersachse. Kaufmannsfamilie. Pragmatisch, zwei Beine auf dem von Wind und Regen fermentierten Boden. Ich schlage mich durch das Jahr, mit exakt dem Auskommen, das die Soziologie neuerdings als Durchschnitt der kreativen Klasse taxiert. Vor der Tür meiner Bürogemeinschaft parkt ein durstiger alter Kombi. Auf dem Schreibtisch Moleskine Notizen. Der Apfel auf meinem Rechner ist mit Gaffa-Tape abgeklebt. Wenn ich Freunde treffe, habe ich jedes Mal eine neue Story, ein neues Engagement. Ich sage immer: Da hat sich ein hochspannendes Projekt aufgetan, in das ich involviert bin. Meine Freunde sagen dann: Verdammte Axt, du redest immer so leidenschaftlich von deinen Jobs, du kriegst es hin, immer an Sachen zu sitzen, die du inhaltlich voll vertreten kannst. Kein träger Apparat. Keine Reibungsverluste. Chapeau.

Mit sechs Jahren lernt man: Dass man mit einem Fahrrad nicht umfällt, liegt daran, dass man mit hoher Geschwindigkeit fährt. Wer Tempo rausnimmt, auf der Stelle verharrt, kippt um.

Mit sechs Jahren hat man auch schon gelernt: Leg dir die Tatsachen so zurecht, dass du gut dabei ausschaust. Eine sichere Strategie, nicht angreifbar zu sein. Wir suchen die Gewissheit, selbst wenn sie autosuggestiv begründet ist. Kollektiv mit Style aufgeladene Gewissheiten nennt man Hype.

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Ich stecke in einem Hype. Ich bediene einen Hype. Und komme nicht umhin festzustellen: mein kreativwirtschaftliches Leben jenseits der Festanstellung spart eine entscheidende Leerstelle aus: Die Idee ist gut, aber die Welt noch nicht bereit. Der alternative Arbeits- und Lebensentwurf erfährt mehr und mehr Zuspruch und Zulauf, weil er den Einzelnen Rückhalt gibt in ihren Versuchen, Designstores im Hamburger Karoviertel aufzumachen, 60er Jahre Nussbaum Möbel am Prenzlauer Berg zu verkaufen oder virale Marketingstrategien an Global Player Unternehmen. Eine Architektengemeinschaft versteht es, renommierter rüberkommen als eine alteingesessene Anwaltskanzlei. Mit Verve geschriebene Ratgeberliteratur der digitalen Bohème lässt sich gut niedersächsischen Eltern in die Hand drücken oder Kulturmanagementstudenten, die in ihren Master Studiengängen Audience Development für Staatstheater gelehrt bekommen, aber nicht, wie sich Kreativität wirklich entfalten kann.

Die Kreativität ist ein Mantra. Die Bohème ist ein Mantra. Wir tragen es vor uns her, wir murmeln es vor uns hin, repetitiv, wenn wir mit dem Volvo an der Super-Zapfsäule stehen, mit dem abeklebten Apfel in einen unbezahlten Pitch gehen, unserer Freundin die Zweifel an Familienplanung zu nehmen versuchen. Der Buchfink braucht schon deshalb die Klassifizierung des Ornithologen nicht, weil er genügend Buchfink-Compañeros um sich hat, die ihm bestätigen: Wir sind die Buchfinken. Eine formidable Vogelspezies, mit Chuzpe und Understatement. Wir wissen, was wir tun, und was wir tun, ist gut, weil kreativ.

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‘There are no answers. Only choices’, erkennt der in Ungewissheit gestürzte George Clooney in Steven Soderbergh’s ‘Solaris’ Adaption. Wir suchen den Halt im Hype immer dann, wenn wir um Erklärungen verlegen sind. Es ist eine Entscheidung für den Stil, nicht den Gehalt. Mit einem durstigen Wagen und einer Club Mate werktagnachmittags am Fischmarkt langzublubbern ist nicht zuletzt Trotz und Selbstvergewisserung. Die Insignien der kreativen Bohème geben uns den Halt, den wir zu verlieren drohen bei Fragen nach der Substanz und Nachhaltigkeit dessen, was wir da treiben. Wie lange kann man sich aufreiben im Kulturbetrieb, wie viele halbgar zurechtgeköchelte Projekte braucht es, um Müdigkeit zu empfinden und Zynismus das Feld zu überlassen. Die Kälber der Kreativwirtschaft tragen eine veritable Schicht Gold. Aber klopft man sie auf Inhalte ab, ist der hohle Klang von geschulten Ohren gut zu vernehmen.

Das Einrichten in einem permanenten Provisorium bildet einen Resonanzkörper, der das Grundmissverständnis der digitalen Bohème durchklingen lässt: Hier geht es nicht wirklich um Selbstverwirklichung. Hier kennt man keine wirkliche Gelassenheit. Man schläft im Schlafsack. Kocht mit Gas. Sammelt Beeren. Wer dabei Idylle assoziiert, übersieht, dass dahinter Hunger lauert. Kalte Nächte. Unsichere Pfade. Heimweh.

Die Sache muss sich zurechtrütteln. Der Hype um die Kreativwirtschaft ist im Augenblick stärker als ihre Struktur. Wer seit Jahren drin steckt, wird seine Nischen ausbauen, mit einer Dienstleistungshaltung, die Abstand zu den Dingen bewahrt und ein gewisses seismografisches Gespür. Pragmatismus ist eine reichlich wenig bohèmehafte Sichtweise. Aber eine, die Ausgeruhtheit gewährleistet und als Stützrad funktionieren kann. Ein Leben darf nicht nur deshalb in stabiler Bahn laufen, weil es mit hoher Drehzahl betrieben wird.

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